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EDITANDO DESIGN

A montagem da mostra Ícones do design – Brasil–França é uma aula de design. Tem as mãos dos curadores mas deve sua qualidade editorial também à cenografia de Zaven Paré, seus assistentes e outros participantes da montagem, realizada no Museu da Casa Brasileira em agosto e setembro de 2009, em São Paulo. ¶ Se ela fosse uma composição tipográfica, seria um texto composto de forma centralizada, já que a mostra é uma conversa de semelhantes, um diálogo mudo entre iguais —ou melhor, parecidos— ora falando francês ora, português. ¶ Para exemplificar, na sala brasileira, à direita de quem entra, uma vitrine no nível do piso, ocupando toda a largura da sala, expõe dezenas de sandálias Havaianas, do mesmo modelo, da mesma cor, iguais. No lado oposto, em posição simétrica, uma vitrine semelhante, mostra dezenas de canetas Bic, cristal, azul, comuns, iguais. São talvez os ícones mais encantadores e surpreendentes da mostra, mas o que nos arrebata é o fato de que depois de olharmos as Havaianas (ou as Bics) e quando seguimos para a outra sala e nos deparamos com as canetas (ou com as sandálias) o olhar detona um diálogo interno  elucidador do pensamento projetual de seus criadores.  ¶ Na sala central, uma conversa de comadres se desenrola entre as cadeiras brasileiras e as francesas: a Rainbow Chair, desenhada em 2000 por Patrick Norguet parece perguntar para a Poltrona Mole (design de 1957) como ela consegue se manter tão atual diante de formas e tecnologias que Philip Starck desfila soberano por todos os ambientes da mostra. E tem mais conversas: o Demoiselle (Santos Dumont, 1907) tenta um papo cabeça com o Concorde (Russel, Satre, Strang e Servanty, 1967) já que ambos não voam mais. ¶ Como toda mostra de design as velhas e novas cadeiras reinam absolutas: são 17 assentos que exibem desenhos de Le Corbusier, Jean Prouvê e Stark —pelo time da França— a Paulo Mendes da Rocha, Zanine Caldas e Carlos Mota pelo lado do Brasil. E lá estão outras estrelas: o Peugeot 403 (1955) de Pininfarina, o Legacy 600 da Embraer, a bicicleta motorizada E-Solex (1946, redesenhada pela Pininfarina em 2006) debatem com a Cadeira vermelha e as Melissas dos Irmãos Campana, sobre o que é mesmo ser um ícone? Se você perdeu essa aula, o que é lamentável para quem gosta de design, procure pelo menos conhecer seu catálogo. ¶ Claudio Ferlauto

O tema criação parece sempre inflamar as discussões quando associado à noção de projeto de design. Para alguns, criação e projeto são termos que não combinam, para outros, estariam eles diretamente associados.

Chico Homem de Melo, ao ser questionado sobre o seu processo criativo, afirma que ele não cria, já que esse termo implica, para ele, em uma valorização da subjetividade. Para falar de seu processo produtivo, prefere trabalhar com a noção de projeto.

Eu trabalho pouco com a noção de criação, trabalho mesmo com a noção de projeto. Dentro do projeto, eu tenho uma dimensão que é criativa, mas o projeto em si é uma atividade tão árdua que fica pouco espaço para a criação, que no meu trabalho é mínima. Eu não crio, eu não estou aqui criando, eu estou aqui trabalhando, produzindo um projeto. Isso implica, sim, em criação, mas só um pouquinho. Então, a criação não é um espaço para mim, quero dizer, não tem inspiração.

Guto Lacaz, a partir da mesma questão, afirma que não vê qualquer diferença entre fazer arte e fazer design. Para ele, em ambos os casos as noções de projeto e de criação estão intimamente ligadas.

Tudo é a mesma coisa. Eu fico comparando e vejo que no fim sempre resulta desenho, resulta pensamento, resulta que você tem que resolver um problema, esse problema ou  vem de um cliente ou é você quem inventa. Em artes plásticas, boa parte do que eu fiz é encomendado também, assim como há encomenda em design. Agora (1º semestre de 2006) , por exemplo, estou fazendo uma edição de serigrafias  para uma agência de propaganda, que encomendou uma campanha usando a letra X. Para mim é um trabalho de artes plásticas por que é serigrafia e é uma encomenda. Eu fiz um trabalho flutuante no lago do Ibirapuera com um auditório flutuante, encomenda da prefeitura.  Boa parte do que eu fiz em Artes plásticas foi encomenda. Muda o produto, que  vai ser uma pintura, vai ser uma escultura, um tridimensional, ou vai ser uma marca,  é um desenho que é uma imagem também, só que em gráfica.  As artes plásticas também são imagens, às vezes você vai compor com o texto.  O manifesto Dadaísta é uma peça gráfica e ao mesmo tempo é um documento plástico histórico, então se você for pegar caso a caso você fica embananado.

No meu  ponto de vista, antes dos nomes, valeria  mais a pena olhar para as ações e tomar  as dinâmicas dos processos de produção para relacionar os termos criação e projeto, veremos então  que alguns procedimentos de produção são comuns aos artistas e aos designers e isso pode ser um fator de aproximação e de distanciamento entre eles.

Inicio a minha participação no blog partilhando o conteúdo de entrevistas que realizei com designers que moram e trabalham nas cidades de Buenos Aires (Alejandro Ros e Ruben Fontana) e de São Paulo (Alexandre Wollner, Chico Homem de Melo, Cláudio Ferlauto e Guto Lacaz). A partir de uma série de posts, apresento considerações que foram feitas por cada um deles sobre as relações entre os termos criação, projeto e espaço.

Para saber quem são eles:

Alexandre Wollner: http://www.wollnerdesigno.com.br/

Alejandro Ros: http://www.alejandroros.com.ar/

Chico Homem de Melo: http://www.homemdemelotroia.com.br/

Claudio Ferlauto: http://www.qu4tro.com.br/blog

Guto Lacaz: http://www.gutolacaz.com.br/

Ruben Fontana: http://www.fontana-d.com/

Este trabalho pretende refletir sobre os modos como o olhar é construído nas interações com a cultura – a visualidade, tendo como referência as narrativas da revista Bravo! Esta análise observa não só o que manifesta o seu design visual gráfico, mas também como a revista se relaciona com seu público leitor nas diversas instâncias da vida cotidiana, considerando as diferentes maneiras como é vista e percebida e de que forma o que se entende por identidade cultural brasileira é representado nestas narrativas. Bento de Abreu

Postado por Renata Rubim

Claudia é designer e professora de design na área digital e gráfica, além de artes contemporâneas. Tem diversos textos publicados em livros e anais de congressos da área. Doutora em comunicação e Semiótica pela PUC SP, atualmente (livre para tomar sol e ir a praia) vive e trabalha (UFSC) em Florianópolis, Santa Catarina. ¶ Passa a colaborar nesse Olhar Gráfico digital com toda a sua energia e criatividade. ¶ Bem-vinda.

¶ A designer Renata Rubim desenvolve em Porto Alegre, no Rio Grande do Sul, um trabalho pioneiro na área do design, que dá respeitabilidade ao trabalho de profissionais envolvidos no desenho e produção de inúmeros produtos presentes no nosso cotidiano. ¶ Ela trabalha com Design de Superfície, atividade que, desde os primórdios da Revolução Industrial, qualifica produtos como tecidos e louças, isto é, superfícies bem tratadas e bem desenhadas em tecidos, tapetes, garrafas térmicas, pratos, xícaras e muitos outros produtos, como podemos conhecer e reconhecer no livro de Renata. ¶ Escrevi em 2005 esse pequeno texto para apresentar o livro Desenhando a superfície —Rosari, São Paulo— que colocou o trabalho de Renata visível para muitos designers. Desde então passou a ser chamada para mostrar seu trabalho, dar workshops e cursos por todo Brasil. Agora estará presente nesse Olhar Gráfico eletrônico. Seja bem-vinda.